INFORMARMALISMO EN EUROPA

Tras la II Guerra Mundial, Europa se ve sumergida en un clima de profunda crisis existencia!. La respuesta plástica tendrá un nombre: el informalismo. Como en todos los movimientos, se da una mirada al pasado, escogiendo el gusto por el collage de los cubistas, el azar y lo fortuito de los dadaístas y, al mismo tiempo, la atracción por todo tipo de materiales, como en el caso de Dubuffet. Cerca igualmente se encuentran los aires expresionistas y la importanciaotorgada al automatismo psíquico por los surrealistas. Es el arte del signo, del gesto y de la materia, un arte que grita entre las tinieblas de la posguerra. El uso eminentemente expresivo del óleo a base de chorreados, grandes empastes y roturas viene acompañado por la importancia concedida a otros materiales bien lejanos a la pintura, tales como la tela metálica, la arpillera y la arena.A menudo se señala a Jean Fautrier (1898-1964) como el iniciador del informalismo en Europa. Su serie de Otages (Rehenes-, 1943-1944) refleja su sentimiento de horror ante la guerra. Plásticamente avanza el gusto por la materialidad de muchos artistas in-formalistas a través de la superposición de distintas capas de pinturas espesadas conpintura blanca. La exposición de esta serie en la Galería Drouin de París, en 1945, suele considerarse el punto de partida de la respuesta informalista


PINTORES DEL INFORMALISMO EN EUROPA

Lucio Muñoz
Edgar Vivanco Salas
Mitwar Abarca Peña
Enrico Accatino
François Arnal
Willi Baumeister
Eduardo Chillida
Martín Chirino
Jean Degottex
Jean Dubuffet
Jean Fautrier

PINTURA DE LOS AÑOS 40, 50 & 80( GRAFFITI, GETTO, NEOGEO ,NEOCONCEPTUAL)

PINTURA DE LOS AÑOS 50

El informalismo es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico. En los Estados Unidos, al acabar la Segunda Guerra Mundial, las condiciones económicas, políticas y artísticas suscitaron una nueva manera de pintar, imponiéndose el expresionismo abstracto entre la nueva generación de artistas que vivían en Nueva York, originando dos tendencias, la Action Painting encarnada principalmente por Pollock y De Kooning y la Pintura de los campos de color, con autores como Barnett Newman y Mark Rothko.
En la misma época, en París, aparecieron una serie de artistas que no representaban la realidad de manera explícita. La posguerra creó un ambiente de duda, absurdo, falta total de grandes proyectos, por lo que los artistas no tenían causas por las que luchar, de manera que se comprometieron con la propia verdad. Es el auge de la experimentación. Desarrollaron una estética abstracta o «informal» para traducir sus sentimientos e impresiones, su expresividad.
Numerosas denominaciones se interfieren entre ellas, al abarcar corrientes, movimientos, grupos y subgrupos dentro de lo que es, en general, las tendencias informalistas y matéricas:
la expresión «abstraction lyrique» (Abstracción lírica, fue utilizada por vez primera por Jean-José Marchand y Georges Mathieu en la exposición «L'imaginaire» (El imaginario), organizada en 1947; el término «Abstracción lírica» suele usarse sobre todo en relación con las obras de Wols.
el término «tachisme» (Tachismo) fue usado por el crítico Charles Estienne en 1954, y es el que se suele usar para estas tendencias informalistas en Francia.
El término «informalismo» fue utilizado por vez primera por Antoni Tàpies al hablar de «Signifiants de l'informel» (1950) en la nueva pintura.[1] De «art informel» habló al año siguiente (1951) el crítico de arte Michel Tapié en una exposición sobre el tema «Tendances extrêmes de la peinture non figurative» (Tendencias extremas de la pintura no figurativa). Esta expresión caracteriza pues las prácticas pictóricas abstractas de la posguerra en Europa, que son pareja con el expresionismo abstracto estadounidense.
André Malraux apoyó con interés el arte informal, lo mismo que Antonin Artaud. En Argentina se conforma el Movimiento informalista. Fundado por Kenneth Kemble, Luis Alberto Wells y Alberto Greco, se incorporan luego Pucciarelli, Maza, Olga López, Towas y el fotógrafo Jorge Roiger. Realizan en 1959 dos exposiciones.



PINTURA DE LOS AÑOS 70
Desde a mediado de los años 70´s tanto en Europa como en Americe se empiezan a notar los primero síntomas de disconformidad con la neutralidad el criticismo y la superficialidad del pop.
Se impone una revalorización de lo real y un retorno a la imagen figurativa pero desde posiciones analíticas y criticas

PINTURA DE LOS AÑOS 80

En Europa, los neoexpresionismos llegan por las vía de las grandes exposiciones, que permiten constatar como la nueva pintura presentaba cambios respecto a practicas anteriores tanto en la plástica como en la forma y el concepto.
En los ochentas se consolida el concepto de posmodernidad


ARTISTAS DEL NEOGEO

John M. Armleder
Francis Baudevin
Ashley Bickerton
Ross Bleckner
Helmut Federle
Christian Floquet
Peter Halley
Jeff Koons
Mark Lombardi
François Perrodin
Christian Robert-Tissot
Gerwald Rockenschaub
Peter Schuyff
Philip Taaffe
Meyer Vaisman



NEOCONCEPTUAL

Neo-arte conceptual describe las prácticas de arte en la década de 1980 y, en particular década de 1990 hasta la fecha que se derivan del movimiento de arte conceptual de los años 1960 y 1970. These subsequent initiatives have included the Moscow Conceptualists , United States neo-conceptualists such as Cindy Sherman and the Young British Artists , notably Damien Hirst and Tracey Emin in the United Kingdom , where there is also a Stuckism counter-movement and criticism from the 1970s conceptual art group Art and Language . Estas iniciativas posteriores han incluido la conceptualistas de Moscú, Estados Unidos neo-conceptualistas como Cindy Sherman y los Jóvenes Artistas Británicos, en particular, Damien Hirst y Tracey Emin en el Reino Unido, donde también hay un contador de Stuckismo movimiento y la crítica conceptual de la década de 1970 Art. grupo de arte y el lenguaje.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Expresionismo abstracto

Después del surgimiento del Action Painting en Estados Unidos, en la década de los cincuenta, se extiende un movimiento abstracto a lo largo del continente. Fue una pintura que se definió a sí misma. Se alejó del interés decorativo y puramente representativo.

"Nace del deseo de expresar libremente emociones y sensaciones, justificando así, con la fuerza espiritual del espacio vacío, la mancha o la pincelada suelta. Por eso hay un repetido tono poético que se advierte en grupos o pintores individualmente considerados.." (Traba, 1994, pág. 88).

Así sucedió en Argentina, cuando un grupo de artistas se interesó por una abstracción más libre frente al concretismo. Miguel Ocampo (1922), quien en la colección del Banco de la República figura con la pintura titulada Piedra y cielo (1972), al igual que Clorindo Testa, Sarah Grila y Antonio Fernández Muro, formó parte del Grupo de Artistas Modernos de la Argentina, promovido por el crítico Aldo Pellegrini.

Clorindo Testa (1923), autor de Espacios manchados, nació en Nápoles pero desde niño vivió en Argentina, donde ha sido considerado la cabeza del expresionismo abstracto; también ha sobresalido en sus trabajos arquitectónicos.

Víctor Chab (1930), con la serie de siete monotipos Sin título 1-7 (1972), y el óleo Pájaro y gárgola (1964), forma parte del acervo del Banco.

El expresionismo abstracto, en México, también contó con numerosos adeptos, entre ellos Manuel Felguérez y Vicente Rojo.

Manuel Felguérez (1928), uno de los primeros artistas mexicanos en alejarse de la escuela muralista, trabajó diversos medios y experimentó en la integración de pintura y escultura, para lo cual empleó materiales diversos, como plástico y metales. El informalismo, el expresionismo abstracto y las construcciones geométricas han caracterizado por distintas épocas su pintura. Ondulaciones del torso (1867), obra abstracta y matérica, pertenece a un periodo orgánico en que incluye trazos gestuales. En el espacio pictórico siempre subyace una estructura profunda geométrica que organiza y otorga el sentido.

Nacido en España en 1932, y residente en México desde 1949, Vicente Rojo trabajó los formatos grandes y se interesó por las texturas y el color luminoso. Signos, números y letras son transformados en elementos plásticos llenos de fuerza. Según Marta Traba, Vicente Rojo "sacó adelante la reflexión cromática del color-signo y del color-lenguaje, dentro del más persuasivo y constante conjunto". Señal antigua Nº. 10 (1967), pintura que integra la colección del Banco de la República, es un buen ejemplo de ello; sobre un fondo negro sobresale un signo en una textura rocosa y rojo sangre.

|Señal antigua N.o 10. (1967) | Vicente Rojo, México, 1833-1987 Óleo sobre tela, 110 x 80 cm Colección Banco de la República

En la década de los sesenta, Armando Morales Sequeiras (1927) trabajó con colores suaves, casi monocromos, como en Pintura (1966), donde los tonos rosas, azules y grises con textura matérica ofrecen una pintura de gran lirismo. Este óleo pertenece a una época abstracta del artista.

|Pintura. (1966) | Armando Morales Sequeira, Nicaragua, 1927 Óleo sobre tela, 128 x 102 cm Colección Banco de la República

En Bolivia, María Luisa Pacheco (1919-1982) acoge un sentimiento prehispánico en su pintura. Mallasa (1980)aparece como una síntesis de la formas del paisaje de los Andes. Óscar Pantoja (1925), también boliviano, formó parte del grupo expresionista al que perteneció Pacheco. Está incluido en la colección con Extremo vértice, 1962.

Después de trabajar con los informalistas españoles, Enrique Tábarra (1930), quien siempre se opuso a la pintura de Guayasamín, regresó al Ecuador. Desarrolló una pintura con texturas pesadas y elaboradas a las que incorporó elementos de la cultura prehispánica. Las figuras y símbolos estaban sugeridas o mimetizadas en los empastes. La colección posee dos obras suyas sobre papel: Sin título (s.f.), en técnica mixta, y Sin título (s.f.), en acuarela, las cuales fueron donadas por el prestigioso crítico Casimiro Eiger.

Oswaldo Viteri (1931) pertenece a la generación y grupo de Tabarra, que presentó una época de resplandor para la pintura ecuatoriana. En la colección figura con Hombre cósmico (1961), que contiene elementos iconográficos alusivos a alguna de las obras de Tamayo.

El peruano Fernando de Szyszlo nació en 1925 en Lima, donde realizó sus primeros estudios de arte, los cuales continuó en Francia e Italia. En 1958 participó en el Primer Salón de Arte Abstracto en Perú, en el cual tomaron parte 27 artistas. Desde entonces ha sido reconocido como una de las primeras figuras de la plástica en el continente. Ha sobresalido por la fuerza de su color, inspirado en los tonos de los tejidos prehispánicos, así como en huellas provenientes de la cultura inca. Su pintura se encuentra ampliamente representada en la colección del Banco de la República con las pinturas Yana sungo (s.f.), Qapa-Markapi (II) (en Cajamarca) (1964), e Imago (1972).

|Yana Sungo. (s.f.) | Fernando de Szyszlo, Perú, 1925 Acrílico sobre tela, 60 x 54 cm Colección Banco de la República

En la década de los cincuenta se consolidó el arte abstracto en el Uruguay, aunque se tenían antecedentes significativos en la obra Torres-García. Una gran acogida se brindó al informalismo, especialmente al arte matérico relacionado con el español Antoni Tàpies y el italiano Alberto Burri. A este grupo pertenece Jorge Páez Vilaro (1922-1995), de cuya autoría es la pintura El carretillero (1958).

De Panamá, Alfredo Sinclair (1915), el primero en explorar el expresionismo abstracto en su país, está presente con Figura reclinada, versión 2. Su abstracción lírica se caracteriza por la conformación de espacios con colores vibrantes.

ARTE CONCRETO

Arte Concreto o Concretismo

Arte Concreto o Concretismo: Se inicia este movimiento a partir de algunos principios del arte abstracto. Se preocupa por la forma al margen de cualquier naturalismo, en un claro intento por revalorizar el proceso creativo.

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Arte concreto

El arte concreto este término se aplica al arte abstracto, que pretende ser autónomo y que rechaza toda figuración y asociaciones simbolistas. Comenzó a conocerse a través de la aparición de un manifiesto publicado por Theo Doesburg. En dicho escrito decía que "La obra de arte no debía recibir nada procedente de las propiedades formales de la naturaleza o de la sensualidad o sentimentalismo, puesto que un elemento pictórico no tiene más significado que él mismo, y, por lo tanto, el cuadro no tiene otro significado diferente". En consecuencia, los artistas abogan por una técnica mecánica o exacta, antiimpresionista.

En resumidas cuentas, en palabras de unos de los artistas destacados de este apartado, Mx Bill, "la pintura concreta elimina toda presentación naturalista, aprovecha los elementos fundamentales de la pintura, el color y la forma de la superficie". Es decir, su esencia es la libertad de cualquier modelo natural: la pura creación.

Este movimiento surge en Francia en 1930 de la mano del pintor holandés Theo van Doesburg quién creó el término de "arte concreto" para sustituir al de arte abstracto (por lo que también es conocido como arte constructivo-abstracto o contretismo). El término fue utilizado por primera vez por Van Doesburg en el "Manifiesto del arte concreto" publicado en el primer y único número de la revista "Art Concret" editada en París, en repuesta a la formación de la asociación “Cercle et Carré”, firmaron el documento Hélion, Carlsund, Tutundjian y Wantz. Su eslogan fue “materiales reales, espacio real”. El citado manifiesto argumentaba seis puntos mediante los cuales sentaba las bases teóricas del "arte concreto".
Los planteamientos teóricos y estéticos de esta tendencia fueron puestos en práctica principalmente por el grupo Abstraction-Creation.

Van Doesburg fallece en 1931 y sus ideas son retomadas a finales de los años 30 por dos artistas suizos, Max Bill y Jean Arp, quienes publican varias obras y realizan importantes exposiciones de pintura, escultura y artes aplicadas.

Entre los seguidores de este movimiento podemos citar, entre otros, a Theo van Doesburg (1883-1931), Max Bill (1908-1994), Naum Gabo (1890-1977), Auguste Herbin (1882-1960).

Los artistas interesados en la estética abstracta se agrupan sucesivamente en tres movimientos: Cercle et Carré (1929), Art Concret (1930) y Abstraction-Création (1931-1936) unidos por un doble motivo: exhibirse como una fuerza internacional, buscando así la resistencia para enfrentarse a un público ostentosamente hostil, y plantear un debate estético al Surrealismo, movimiento con el que discrepan frontalmente. Dos exposiciones realizadas en estos años serán decisivas para la formación de estos movimientos: la exposición L’ESAC (Expositors Selectes d’Art Contemporain) en el Stedelijk Museum de Amsterdan, organizada por Nelly Van Doesburg en 1929 y la exposición de arte post-cubista celebrada un año más tarde en Estocolmo, bajo la dirección de Carlsund.

Características generales del Art Concret:

• Rechazo de toda relación con lo natural, lo objetivo y lo simbólico.
• Utiliza la representación de ideas abstractas en una nueva realidad de carácter universal y constante.
• La expresión plástica se basa, principalmente, en la línea y la superfície, relegando al color a un segundo plano.
• Empleo de elementos geométricos sencillos (círculos, cuadrados, triángulos) y creación de tensiones.
• La forma tiene más importancia que el color.
• Composiciones geométricas formando estructuras que recuerdan construcciones o arquitecturas.
• Emplea colores planos creando efectos cromáticos de espacio y vibración plástica.

OBRAS

PINTURA DE LOS AÑOS 40, EN ESTADOS UNIDOS , NORTEAMERICA Y EUROPA

París, 1945, “Art Concret”.El concreto de posguerra pretendía ser arte universal, simple y controlable visualmente, de técnica exacta, anti-impresionista, antisensitivo, de claridad absoluta con elementos plásticos puros.
Recivió un apoyo decidido por parte de galerías y destacan artistas como: Vasarely, Jean Dewasne y Richard Mortensen, tuvo su mayor representante en Max Bill.
Antecesores: EEUU. Abstracción y Biomorfismo
La ocupación nazi en París confirmó como nueva capital artística a N.Y. Entre los años 1939 a 1941, los artistas europeos exiliados tuvieron una influencia decisiva en este proceso. Dalí, Ernst, Chagal, Léger, lipchitz, Masson y Matta, llegaron a N.Y. ; realizaron una exposición denominada “Artistas en el exilio” confirmándose el protagonismo de la corriente surrealista de influencia trascendental en el expresionismo abstracto. “En Ernst, Matta y Masson, los jóvenes pintores norteamoericanos descubrieron el gesto pictórico fruto del automatismo psíquico puro. También el poscubismo de Léger, el neoplasticismo de Mondrian y el expresionismo de origen germánico de Hans Hofmann fueron ingredientes importantes para la gestación del nuevo arte.

ESCULTURA DEL SIGLO XX

La escultura de la segunda mitad del siglo XX

Después del final de la Segunda Guerra Mundial,muchas de las grandes personalidades de la escultura de vanguardia del primer tercio de siglo continuaron su producción sin grandes cambios evolutivos.

Junto a los ya citados Duchamp, Miró o Giacometti, desarrollaron sus singulares estilos una serie de escultores que aportaron visiones e interpretaciones muy personales y que, en buena medida, influirían en los movimientos plásticos de fin de siglo. Cabe destacar entre ellos a los siguientes:

• David Smith (1906-1965) realizó obras de un estilo rígidamente abstracto, precursor del minimal art.
• Alexander Calder (1898-1976), norteamericano, como el anterior, fue el creador de los singulares móviles, conjuntos de piezas de hierro, pintadas y articuladas, que constituyeron el primer antecedente de la escultura cinética.
• Jorge Oteiza (1908) y Eduardo Chillida desplegaron una plástica esquemática en sus planteamientos, pero incorporando elementos naturalistas.
• Henry Moore, por último, desarrolló sobre premisas muy personales una obra encuadrada dentro del organicismo, en la que adquiría especial importancia la figura humana deformada a través de huecos, líneas curvas y grandes volúmenes.

Alexander Calder, móvil, escultura cinética al aire libre, (París).

Federico Canessi Nace en la Ciudad de México en 1906. Realizó estudios de escultura en la Antigua Academia de San Carlos y más tarde en Estados Unidos, becado por el gobierno mexicano. En 1958 obtiene el Gran Premio Internacional de Escultura. Realizó a lo largo de su carrera esculturas en madera, piedra, terracota y bronce, escultura monumental y murales en relieve, como el tallado directamente sobre la piedra de la cúspide de una montaña en Malpaso, Chiapas. Ingresó a la Academia de Artes en 1968 como miembro fundador. Muere en 1977. Ola, 1973

Pedro Cervantes Nace en la ciudad de México en 1933. A partir de 1960 comienza sus trabajos en metal soldado. Además de trabajar con materiales producidos en serie como la placa y la vigueta de acero ha realizado relieves murales, esculturas monumentales y de pequeño formato así como esculturas que el espectador puede transformar al mover las partes que las conforman. La mujer y el caballo han sido sus temáticas predilectas. Ingresó a la Academia de Artes en 2003. Milenio, bronce, 2000

Germán Cueto Nace en la Ciudad de México en 1883. En 1919, tras un rápido paso por la Academia de San Carlos, resuelve estudiar por su cuenta. Después de una estancia de 5 años en Europa se dedica a la escultura abstracta convirtiéndose tal vez en el escultor más renovador en el ambiente mexicano antes de 1950. Ingresó a la Academia de Artes en 1968 como miembro fundador. Muere en 1975. Ondina, 1973

Manuel Felguérez Nace en 1928 en Valparaíso, Zacatecas. Realizó sus estudios profesionales en París y en la Ciudad de México. Practica la pintura abstracta de corte lírico. Ha realizado un gran número de murales y escultura urbana en México y en el extranjero, así como relieves y escultura con las formas geométricas características de su tendencia artística. Desde los años setenta inició sus búsquedas para la incorporación de la cibernética al diseño artístico. Ingresó a la Academia de Artes en 1974. Germinal, 1989

Fernando González Gortázar Nace en la Ciudad de México en 1942. Estudia arquitectura en Guadalajara y empieza a profundizar en las relaciones entre la forma de los objetos y el movimiento del espectador, lo que junto con la liga al paisaje y el logro de una auténtica monumentalidad, serán preocupaciones fundamentales en su trabajo posterior. Su desarrollo profesional es diversificado: arquitecto, escultor, maestro, escritor, diseñador, escenógrafo y promotor cultural. Ingresa a la Academia de Artes en el año 2000. Fuente de las escaleras, Fuenlabrada, 1987 Madrid, España

Mathías Goeritz Nació en el año de 1915 en Polonia. Se doctoró en Filosofía e Historia del Arte en la Academia de Artes de Berlín. En 1949 se traslada a México como maestro de la cátedra de Artes Visuales en la Escuela de Arquitectura de Guadalajara, Jalisco. En los años cincuenta lanza su manifiesto "Arquitectura emocional". Fue el iniciador de los primeros talleres de diseño industrial en México. Con su escultura "Serpiente" se convierte en el precursor del minimalismo. Cuenta con innumerables obras de diseño, dibujo y escultura. Muere en 1990. Serpiente 1951

Ángela Gurría Es oriunda de la Ciudad de México. Se dedicó a la escultura primero en forma autodidacta y después fue alumna de los maestros Germán Cueto y Abraham González. En su trayectoria ha pasado de una tendencia realista simbólica a casi un abstraccionismo. Su largo catálogo incluye escultura urbana y monumental, y vitrales escultóricos. Fue el primer miembro femenino de la Academia de Artes (1973) Caracol, 1962

Luis Ortiz Monasterio Nació en la Ciudad de México en 1906. Realizó una gran labor docente en el IPN, en las escuelas de arte de la SEP. y en la Escuela Nacional de Maestros. Renovador de técnicas y maestro de varias generaciones, fue uno de los innovadores del movimiento escultórico de la primera mitad del siglo XX. La mayoría de sus esculturas fueron realizadas en bronce con grupos o entrecruzamientos de cuerpos geometrizados y arquitectónicos. Ingresó a la Academia de Artes como miembro fundador en 1968. Muere en 1990. Estela, 1970

Sebastián (Enrique Carbajal G.) Nace en Ciudad Camargo, Chihuahua, en 1947. Cuenta con una numerosa producción de escultura monumental y urbana de complicada elaboración geométrica, expuesta en nuestro país y en el extranjero. Es un entusiasta promotor cultural que complementa su labor artística con la producción de obra gráfica y el diseño de joyas, muebles, objetos, juguetes y monedas. Ingresó a la Academia de Artes en 1985. Araña grande, Santa Fe, 1888 Nuevo México, Estados Unidos

Federico Silva Nace en la Ciudad de México en 1923. De formación artística autodidacta, su influencia temprana la obtuvo al laborar con Siqueiros en la realización del mural del Palacio de Bellas Artes. Se inició en la corriente figurativa y posteriormente incursiona en el arte abstracto y cinético. En 1977 diseñó el proyecto del Espacio Escultórico de la UNAM y fungió como coordinador del grupo de artistas participantes. En su vasta producción se encuentra la pintura mural, relieves, escultura pública y monumental.

Francisco Zúñiga Nació en el año 1912 en Costa Rica. A los 24 años llegó a México donde asistió a la Escuela La Esmeralda. Se inclina por la escultura, rama en la que ha sobresalido de manera importante. Bajo su dirección se formaron varias generaciones de escultores, encabezando el movimiento de renovación escultórica. Su obra guarda características figurativas, usando volúmenes rotundos y formas pesadas y retomando temas arquetípicos de los indígenas del sur de México. Ingresó a la Academia de Artes en 1987. Soledad sentada, 1965 (Fundida en 1970) Bronce, 84 x 72 x 93 cm III edición Colección: privada

ARTE POP

Introducción al movimiento artístico del Arte Pop

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.

Lichtenstein decía:

Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo.

El Ate Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria moderna a obras de arte y, con la frialdad del distanciamiento, pone su mirada en la atracción estética de los vulgares artículos de consumo.

Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje.

Representantes del Arte Pop

Richard Hamilton

Es uno de los pioneros del Pop Art británico y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, ha sido considerado la primera obra del Arte Pop.

Es un collage fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, al erotismo, a la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de contenido y que tan sólo elogia lo superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como el televisor, el magnetófono o el póster de una viñeta de cómic.

Roy Lichtenstein

Lo más característico de Lichtenstein son sus composiciones salidas directamente de las viñetas de los comics, que son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Por ejemplo, Good Morning, Darling; Now, mes petit pour la France o Whamm!, donde la técnica del cómic aparece mucho más remarcada con la inclusión de la característica onomatopeya.

Tom Wesselmann

Tom Wesselmann se interesa por el tema de la sensualidad y la mujer como reclamo publicitario y como objeto de consumo.

Elige las partes más sensuales del cuerpo femenino, las piernas, los labios, etc. y las mezcla con objetos cotidianos. Trabajó sobre todo los montajes y las instalaciones, donde incorpora objetos reales y recrea espacios habituales de la burguesía americana.

En las obras de la serie Gran desnudo americano, incorpora teléfonos reales que suenan, aparatos de radio y televisores en marcha, pegándolos directamente sobre la superficie pintada, siguiendo el método tradicional del collage.

En Bañera Collage núm. 1 ilustra una atmósfera de frío erotismo reivindicando su valor como objeto de consumo más que como icono de deseo. Resalta la toalla de en medio, el rollo de papel higiénico y la tapa del retrete levantada.

Andy Warhol

Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma superficie arrancándolas de su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. Describió así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.

Lata de sopa Campbell convierte un objeto de uso cotidiano, una sopa de tomate, en icono de la cultura pop.

Realizó numerosos retratos como los de Mick Jagger, Jacqueline Kennedy Onassis, Elizabeth Taylor o Marilyn Monroe, de la que hizo una serigrafía basada en un original fotográfico de su rostro.

EXPRESIONISMO

Expresionismo. Pintura Expresionista

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.

Precedentes del Expresionismo

Encontramos algunas raíces del Expresionismo en las pinturas negras de Goya, que rompe con las convicciones con las que se representaban las anatomías para sumergirse en el mundo interior. Sin embargo, los referentes inmediatos son Van Gogh y Gaugain, tanto por la técnica como por la profundidad psicológica.

Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, entendido como la búsqueda en la cual el artista, limitando la pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.

El Expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el noruego Munch.

Ensor (1860-1949)

Ensor pinta desfiles fantasmales de personajes enmascarados y caricaturescos. La máscara se convierte en la expresión de lo amenazador y lo desconocido que refleja la ironía sobre la condición humana. El asombro de la cámara de Wouse, La máscara y la muerte.

Edvard Munch (1863-1944)

El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.

En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.

El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.

Expresionismo Alemán

El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania.

Die Brücke ( El Puente)

En 1905 se constituye en Drede el grupo Die Brücke (El Puente), coetáneo al movimiento fauvista francés. Mientras los fauves se movían por intereses meramente plásticos cuyos temas eran intrascendentes, los alemanes, con una técnica similar en cuanto a la intensidad de las siluetas y las masas cromáticas, prefiriendo los tonos oscuros, difieren por la plasmación de las angustias interiores del hombre y sus preocupaciones existenciales.

En el grupo Die Brücke, influido por Munich, destacan Nolde y Kirchner. Son artistas comprometidos con la situación social y política de su tiempo.

Kirchner intenta demostrar con su paleta estridente y sus trazos angulosos los oscuros deseos que laten en el fondo de los seres humanos. Mujer del busto desnudo con sombrero.
Nolde conseguirá pintar la desnudez de las almas humanas. Bailarinas de las velas, Susana y los viejos.

Der Blaue Reiter ( El Jinete Azul)

El grupo Der Blaue Reiter se formó en Munich en 1911, recibió una importante aportación internacional sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que lo integraron numerosos artistas extranjeros. Además del alemán Franz Marc, encontramos al ruso Kandinsky, al suizo Klee, a August Macke y a Gabriel Münter entre otros.

El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die Brücke. Les importa más el cómo de la representación que el qué. Los artistas creían que el significado y el sentido de cada cuadro están en manos del propio espectador. El artista da forma a la emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo observa determinados sentimientos.

Sus componentes evolucionarán rápidamente a formas abstractas, como es el caso de Kandinsky. La representación del objeto en sus pinturas es secundaria, ya que la belleza residía en la riqueza cromática y en la simplificación formal.
Paul Klee perteneció al Jinete Azul, pero seguiría su propio camino alejándose de dicho movimiento. Quiere despojar las cosas de todo formalismo. Su mundo surge de su propia realidad interior. Parte de su obra es abstracta, aunque conserva en general cierta referencia al objeto. Mantiene el vínculo con la realidad acercándose a ella por vía simbólica. Frutas en fondo azul, en el estilo de Bach son algunas de sus obras.

La Primera Guerra Mundial destruye el grupo, pero el Expresionismo no se extingue, al contrario, los desastres y la crueldad de la guerra incita a otros artistas a traducir el dolor provocado.

El austriaco Oscar Kokoschka (1886-1980) con su personalidad vigorosa, busca la expresión a través de la pasta y el color. En La noria del viento trasciende lo puramente figurativo y anecdótico para expresar contenidos interiores a través de sus composiciones. En La tempestad plasma al artista y a la mujer amada y refleja la perduración de la pasión amorosa en medio de circunstancias adversas.

En Francia, Roault es un ejemplo de cómo se puede pasar del fauvismo al Expresionismo sin cambiar los aspectos formales, simplemente con un cambio en la concepción.

Chagall y Modigliani formaron parte del grupo expresionista de la llamada Escuela de París. El italiano Modigliani destaca por sus obras humanas alargadas y nostálgicas que recuerdan al Greco.

A partir de 1950, los norteamericanos se apropiarán del nombre en lo que se ha conocido como el Expresionismo Abstracto

CONSTRUCTIVISMO

El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista.
El término Construction Art (arte de construcción) fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko en 1917.

CARACTERISTICAS DEL CONSTRUCTIVISMO
Para introducirnos mas a el entorno en el que se vivía en ese tiempo, y por lo tanto para comprender mejor el movimiento es importante destacar los siguientes puntos:
Movimiento que nace en Rusia, en medio de fuertes conflictos.
Su estilo se basa en líneas puras y formas geométricas.
En su elaboración se basan con materiales simples.
Los representantes no ven sus obras como arte.
Le dan relevancia a la técnica con la que se va elaborar el producto y el proceso que éste lleva.
Deja de ser una corriente de movimientos europeos.
La funcionalidad debía de ser aplicada porque se ,creía importante que el arte debía e ser algo para que la gente lo entendiera, y con diferentes tipos de utilidades para la sociedad; por lo que Tatlin hizo una fusión de diseños y sus construcciones, llegando a ser un diseñador poderoso, en donde sus productos llegaron a formar un nuevo orden estético.
El constructivismo, por tratarse de un movimiento en el que predominaba lo tridimensional, se destaca mucho lo que es la escultura, la arquitectura y el diseño industrial en si, en donde se recurria a la elaboración de los productos con materiales modernos, de donde utilizaron líneas puras para reforzar la naciente estética del funcionalismo
El grupo se dedicó al diseño de muebles e indumentaria, decorados teatrales y exposiciones.
ARTISTAS Y OBRAS REPRESENTATIVAS
Entre otros artistas que se pueden mencionar por su labor son Stepanova, Rodchenko y El Lissizky por su estilo en fotografía, la composición de fotomontajes y el diseño de formatos tipográficos para los afiches oficiales, que se iban mostrando de maneras mas innovadoras. Se expone una cafetera con dos tazas constructivistas, figurines y fotos con diseños textiles de Popova y Stepánova. Las figuras de Rodchenko, Tatlin y Malevich eclipsaron en parte a un numeroso grupo de mujeres artistas que participaron en aquella fascinante tentativa de integrar el arte y la vida, y de redefinir los valores estéticos tradicionales.
ARTISTAS DEL CONSTRUCTIVISMO
Leo Breuer - ( 1893-1975))
Ella Bergmann-Michel - (1896-1971)
Carlos Catasse - (1944- )
Theo Constanté - (1934- )
Naum Gabo - (1890-1977)
Moisei Ginzburg, arquitecto
Gustav Klutsis - (1895-1938)
El Lissitzky - (1890-1941)
Louis Lozowick Estuardo Maldonado - (1930- Vadim Meller - (1884-1962)
Vladimir Shukhov - (1853-1939)
Konstantín Mélnikov - (1890-1974)
László Moholy-Nagy - (1895-1946)
Tomoyoshi Murayama - (1901-1977


PINTURAS DEL CONSTRUCTIVISMO



ESCULTURA CONSTRUCTIVISTA








ARQUITECTURA CONSTRUCTIVISTA

SURREALISMO

Surrealismo. Pintura surrealista

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.

Precedentes del Surrealismo

Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.
Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo.

Los artífices del surrealismo

Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Ernst (1891-1979)

Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.
Ciudades, Europa después de la lluvia.

Tanguy (1900-1985)

Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido.

Magritte (1898-1976)

Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas.

Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar.

Masson (1896-1987)

Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.

Chagall (1887-1985)

Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.

Joan Miró (1893-1983)

"Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable".

Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.

Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).

Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.

Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna.

Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y día.

Salvador Dalí (1904-1989)

Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.

Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil.

También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.

Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.

Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.

El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

DADAISMO

Introducción al movimiento artístico del Dadaísmo

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.

El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.

Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de Febrero de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara (poeta, líder y fundador del movimiento), Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard Huelsenbeck entre otros.

La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York.

Jean Arp

Realizó relieves, collages y bordados donde combina las técnicas del automatismo y las imágenes oníricas, desarrollando una iconografía muy personal de formas orgánicas que él mismo llamó escultura biomórfica.

Un día, al mirar un dibujo que había roto en muchos pedacitos y tirado al suelo porque no le gustaba, se dio cuenta de que la disposición que les había dado la caída reflejaba mucho mejor la novedad plástica que trataba de obtener. Reunió los fragmentos y los pegó, yuxtaponiéndolos en la forma que dictaba la casualidad.

Bloque: forma terrestre es una construcción realizada en madera cortada y pintada que presenta formas elementales agrupadas siguiendo el impulso del azar.

Pez y bigote es una obra humorística creada sobre una base de madera recortada y pintada que aúna cierto infantilismo en las formas y la espontaneidad del azar.

Raul Hausmann

Su aportación más importante es el fotomontaje, que consiste, en el montaje, sin plan definido, de recortes de fotografía, periódicos y dibujos, con la intención de obtener una obra plásticamente nueva que asumiera un mensaje político, moral o poético.

En El crítico de arte ofrece la visión de un experto de arte y lo representa desdentado y con un zapato en la cabeza para denunciar la vaciedad y la inutilidad de sus pensamientos.

Kurt Schwitter

Creó ensamblajes de cartón, madera, alambre y objetos rotos, así como collages con diversos objetos, billetes de autobús, envolturas de quesos, suelas desgastadas, colillas, etc.

En su casa elaboró una obra a la que llamó Merz-Säule. Se trataba de una escultura hecha de bultos y concavidades con hallazgos cotidianos o con objetos tomados a sus visitantes como mechones de cabello o uñas cortadas, y que tenía la propiedad de crecer como si fuera un organismo vivo. Cada día le agregaba algo y llegó a crecer tanto que ocupó dos pisos.

Max Ernst

Max Ernst, junto con Baargeld, organizaron una exposición que obligaba al publico a pasar entre unos urinarios, mientras una niña vestida para primera comunión recitaba poemas obscenos.

En medio de la sala se levantaba un gran bloque de madera que sostenía una hacha enganchada por una cadena y se invitaba al público a que destruyera aquel objeto a hachazos. En las paredes colgaban collages de diversos artistas cuyo contenido provocaban malestar entre los espectadores. La exposición fue prohibida.

La Primera Guerra Mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas refugiados como Duchamp o Picabia, que junto con los americanos como Man Ray dan vida al dada neoyorquino.

Marcel Duchamp

Su principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito de lo artístico. Solo con el hecho de titularlos y firmarlos confería a los objetos la categoría de obra de arte.

En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre un taburete de cocina. En 1915 presentó un urinario de loza puesto al revés y lo tituló Fontaine.

Man Ray

Realizó un conjunto de obras que llamó "objetos de mi afecto". Entre ellas está Cadeau, que consiste en una plancha de cuya base salen algunos clavos, o la obra llamada La puericultura II, que es una base cilíndrica de bronce en cuya parte superior sobresale una mano color verde.

El movimiento dada construye el ambiente propicio para que surjan otras grandes corrientes, como el Surrealismo, y propone una nueva definición del arte al romper con los esquemas tradicionales integrando objetos del entorno cotidiano dentro de los medios de expresión plásticos.