Tras la II Guerra Mundial, Europa se ve sumergida en un clima de profunda crisis existencia!. La respuesta plástica tendrá un nombre: el informalismo. Como en todos los movimientos, se da una mirada al pasado, escogiendo el gusto por el collage de los cubistas, el azar y lo fortuito de los dadaístas y, al mismo tiempo, la atracción por todo tipo de materiales, como en el caso de Dubuffet. Cerca igualmente se encuentran los aires expresionistas y la importancia otorgada al automatismo psíquico por los surrealistas. Es el arte del signo, del gesto y de la materia, un arte que grita entre las tinieblas de la posguerra. El uso eminentemente expresivo del óleo a base de chorreados, grandes empastes y roturas viene acompañado por la importancia concedida a otros materiales bien lejanos a la pintura, tales como la tela metálica, la arpillera y la arena. A menudo se señala a Jean Fautrier (1898-1964) como el iniciador del informalismo en Europa. Su serie de Otages (Rehenes-, 1943-1944) refleja su sentimiento de horror ante la guerra. Plásticamente avanza el gusto por la materialidad de muchos artistas in-formalistas a través de la superposición de distintas capas de pinturas espesadas conpintura blanca. La exposición de esta serie en la Galería Drouin de París, en 1945, suele considerarse el punto de partida de la respuesta informalista
PINTORES DEL INFORMALISMO EN EUROPA
Lucio Muñoz
Edgar Vivanco Salas
Mitwar Abarca Peña
Enrico Accatino
François Arnal
Willi Baumeister
Eduardo Chillida
Martín Chirino
Jean Degottex
Jean Dubuffet
Jean Fautrier
viernes, 11 de diciembre de 2009
PINTURA DE LOS AÑOS 40, 50 & 80( GRAFFITI, GETTO, NEOGEO ,NEOCONCEPTUAL)
PINTURA DE LOS AÑOS 50
El informalismo es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico. En los Estados Unidos, al acabar la Segunda Guerra Mundial, las condiciones económicas, políticas y artísticas suscitaron una nueva manera de pintar, imponiéndose el expresionismo abstracto entre la nueva generación de artistas que vivían en Nueva York, originando dos tendencias, la Action Painting encarnada principalmente por Pollock y De Kooning y la Pintura de los campos de color, con autores como Barnett Newman y Mark Rothko.
En la misma época, en París, aparecieron una serie de artistas que no representaban la realidad de manera explícita. La posguerra creó un ambiente de duda, absurdo, falta total de grandes proyectos, por lo que los artistas no tenían causas por las que luchar, de manera que se comprometieron con la propia verdad. Es el auge de la experimentación. Desarrollaron una estética abstracta o «informal» para traducir sus sentimientos e impresiones, su expresividad.
Numerosas denominaciones se interfieren entre ellas, al abarcar corrientes, movimientos, grupos y subgrupos dentro de lo que es, en general, las tendencias informalistas y matéricas:
la expresión «abstraction lyrique» (Abstracción lírica, fue utilizada por vez primera por Jean-José Marchand y Georges Mathieu en la exposición «L'imaginaire» (El imaginario), organizada en 1947; el término «Abstracción lírica» suele usarse sobre todo en relación con las obras de Wols.
el término «tachisme» (Tachismo) fue usado por el crítico Charles Estienne en 1954, y es el que se suele usar para estas tendencias informalistas en Francia.
El término «informalismo» fue utilizado por vez primera por Antoni Tàpies al hablar de «Signifiants de l'informel» (1950) en la nueva pintura.[1] De «art informel» habló al año siguiente (1951) el crítico de arte Michel Tapié en una exposición sobre el tema «Tendances extrêmes de la peinture non figurative» (Tendencias extremas de la pintura no figurativa). Esta expresión caracteriza pues las prácticas pictóricas abstractas de la posguerra en Europa, que son pareja con el expresionismo abstracto estadounidense.
André Malraux apoyó con interés el arte informal, lo mismo que Antonin Artaud. En Argentina se conforma el Movimiento informalista. Fundado por Kenneth Kemble, Luis Alberto Wells y Alberto Greco, se incorporan luego Pucciarelli, Maza, Olga López, Towas y el fotógrafo Jorge Roiger. Realizan en 1959 dos exposiciones.
PINTURA DE LOS AÑOS 70
Desde a mediado de los años 70´s tanto en Europa como en Americe se empiezan a notar los primero síntomas de disconformidad con la neutralidad el criticismo y la superficialidad del pop.
Se impone una revalorización de lo real y un retorno a la imagen figurativa pero desde posiciones analíticas y criticas
PINTURA DE LOS AÑOS 80
En Europa, los neoexpresionismos llegan por las vía de las grandes exposiciones, que permiten constatar como la nueva pintura presentaba cambios respecto a practicas anteriores tanto en la plástica como en la forma y el concepto.
En los ochentas se consolida el concepto de posmodernidad
ARTISTAS DEL NEOGEO
John M. Armleder
Francis Baudevin
Ashley Bickerton
Ross Bleckner
Helmut Federle
Christian Floquet
Peter Halley
Jeff Koons
Mark Lombardi
François Perrodin
Christian Robert-Tissot
Gerwald Rockenschaub
Peter Schuyff
Philip Taaffe
Meyer Vaisman
NEOCONCEPTUAL
Neo-arte conceptual describe las prácticas de arte en la década de 1980 y, en particular década de 1990 hasta la fecha que se derivan del movimiento de arte conceptual de los años 1960 y 1970. These subsequent initiatives have included the Moscow Conceptualists , United States neo-conceptualists such as Cindy Sherman and the Young British Artists , notably Damien Hirst and Tracey Emin in the United Kingdom , where there is also a Stuckism counter-movement and criticism from the 1970s conceptual art group Art and Language . Estas iniciativas posteriores han incluido la conceptualistas de Moscú, Estados Unidos neo-conceptualistas como Cindy Sherman y los Jóvenes Artistas Británicos, en particular, Damien Hirst y Tracey Emin en el Reino Unido, donde también hay un contador de Stuckismo movimiento y la crítica conceptual de la década de 1970 Art. grupo de arte y el lenguaje.
El informalismo es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico. En los Estados Unidos, al acabar la Segunda Guerra Mundial, las condiciones económicas, políticas y artísticas suscitaron una nueva manera de pintar, imponiéndose el expresionismo abstracto entre la nueva generación de artistas que vivían en Nueva York, originando dos tendencias, la Action Painting encarnada principalmente por Pollock y De Kooning y la Pintura de los campos de color, con autores como Barnett Newman y Mark Rothko.
En la misma época, en París, aparecieron una serie de artistas que no representaban la realidad de manera explícita. La posguerra creó un ambiente de duda, absurdo, falta total de grandes proyectos, por lo que los artistas no tenían causas por las que luchar, de manera que se comprometieron con la propia verdad. Es el auge de la experimentación. Desarrollaron una estética abstracta o «informal» para traducir sus sentimientos e impresiones, su expresividad.
Numerosas denominaciones se interfieren entre ellas, al abarcar corrientes, movimientos, grupos y subgrupos dentro de lo que es, en general, las tendencias informalistas y matéricas:
la expresión «abstraction lyrique» (Abstracción lírica, fue utilizada por vez primera por Jean-José Marchand y Georges Mathieu en la exposición «L'imaginaire» (El imaginario), organizada en 1947; el término «Abstracción lírica» suele usarse sobre todo en relación con las obras de Wols.
el término «tachisme» (Tachismo) fue usado por el crítico Charles Estienne en 1954, y es el que se suele usar para estas tendencias informalistas en Francia.
El término «informalismo» fue utilizado por vez primera por Antoni Tàpies al hablar de «Signifiants de l'informel» (1950) en la nueva pintura.[1] De «art informel» habló al año siguiente (1951) el crítico de arte Michel Tapié en una exposición sobre el tema «Tendances extrêmes de la peinture non figurative» (Tendencias extremas de la pintura no figurativa). Esta expresión caracteriza pues las prácticas pictóricas abstractas de la posguerra en Europa, que son pareja con el expresionismo abstracto estadounidense.
André Malraux apoyó con interés el arte informal, lo mismo que Antonin Artaud. En Argentina se conforma el Movimiento informalista. Fundado por Kenneth Kemble, Luis Alberto Wells y Alberto Greco, se incorporan luego Pucciarelli, Maza, Olga López, Towas y el fotógrafo Jorge Roiger. Realizan en 1959 dos exposiciones.
PINTURA DE LOS AÑOS 70
Desde a mediado de los años 70´s tanto en Europa como en Americe se empiezan a notar los primero síntomas de disconformidad con la neutralidad el criticismo y la superficialidad del pop.
Se impone una revalorización de lo real y un retorno a la imagen figurativa pero desde posiciones analíticas y criticas
PINTURA DE LOS AÑOS 80
En Europa, los neoexpresionismos llegan por las vía de las grandes exposiciones, que permiten constatar como la nueva pintura presentaba cambios respecto a practicas anteriores tanto en la plástica como en la forma y el concepto.
En los ochentas se consolida el concepto de posmodernidad
ARTISTAS DEL NEOGEO
John M. Armleder
Francis Baudevin
Ashley Bickerton
Ross Bleckner
Helmut Federle
Christian Floquet
Peter Halley
Jeff Koons
Mark Lombardi
François Perrodin
Christian Robert-Tissot
Gerwald Rockenschaub
Peter Schuyff
Philip Taaffe
Meyer Vaisman
NEOCONCEPTUAL
Neo-arte conceptual describe las prácticas de arte en la década de 1980 y, en particular década de 1990 hasta la fecha que se derivan del movimiento de arte conceptual de los años 1960 y 1970. These subsequent initiatives have included the Moscow Conceptualists , United States neo-conceptualists such as Cindy Sherman and the Young British Artists , notably Damien Hirst and Tracey Emin in the United Kingdom , where there is also a Stuckism counter-movement and criticism from the 1970s conceptual art group Art and Language . Estas iniciativas posteriores han incluido la conceptualistas de Moscú, Estados Unidos neo-conceptualistas como Cindy Sherman y los Jóvenes Artistas Británicos, en particular, Damien Hirst y Tracey Emin en el Reino Unido, donde también hay un contador de Stuckismo movimiento y la crítica conceptual de la década de 1970 Art. grupo de arte y el lenguaje.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO
Expresionismo abstracto
Después del surgimiento del Action Painting en Estados Unidos, en la década de los cincuenta, se extiende un movimiento abstracto a lo largo del continente. Fue una pintura que se definió a sí misma. Se alejó del interés decorativo y puramente representativo.
"Nace del deseo de expresar libremente emociones y sensaciones, justificando así, con la fuerza espiritual del espacio vacío, la mancha o la pincelada suelta. Por eso hay un repetido tono poético que se advierte en grupos o pintores individualmente considerados.." (Traba, 1994, pág. 88).
Así sucedió en Argentina, cuando un grupo de artistas se interesó por una abstracción más libre frente al concretismo. Miguel Ocampo (1922), quien en la colección del Banco de la República figura con la pintura titulada Piedra y cielo (1972), al igual que Clorindo Testa, Sarah Grila y Antonio Fernández Muro, formó parte del Grupo de Artistas Modernos de la Argentina, promovido por el crítico Aldo Pellegrini.
Clorindo Testa (1923), autor de Espacios manchados, nació en Nápoles pero desde niño vivió en Argentina, donde ha sido considerado la cabeza del expresionismo abstracto; también ha sobresalido en sus trabajos arquitectónicos.
Víctor Chab (1930), con la serie de siete monotipos Sin título 1-7 (1972), y el óleo Pájaro y gárgola (1964), forma parte del acervo del Banco.
El expresionismo abstracto, en México, también contó con numerosos adeptos, entre ellos Manuel Felguérez y Vicente Rojo.
Manuel Felguérez (1928), uno de los primeros artistas mexicanos en alejarse de la escuela muralista, trabajó diversos medios y experimentó en la integración de pintura y escultura, para lo cual empleó materiales diversos, como plástico y metales. El informalismo, el expresionismo abstracto y las construcciones geométricas han caracterizado por distintas épocas su pintura. Ondulaciones del torso (1867), obra abstracta y matérica, pertenece a un periodo orgánico en que incluye trazos gestuales. En el espacio pictórico siempre subyace una estructura profunda geométrica que organiza y otorga el sentido.
Nacido en España en 1932, y residente en México desde 1949, Vicente Rojo trabajó los formatos grandes y se interesó por las texturas y el color luminoso. Signos, números y letras son transformados en elementos plásticos llenos de fuerza. Según Marta Traba, Vicente Rojo "sacó adelante la reflexión cromática del color-signo y del color-lenguaje, dentro del más persuasivo y constante conjunto". Señal antigua Nº. 10 (1967), pintura que integra la colección del Banco de la República, es un buen ejemplo de ello; sobre un fondo negro sobresale un signo en una textura rocosa y rojo sangre.
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| |Señal antigua N.o 10. (1967) | Vicente Rojo, México, 1833-1987 Óleo sobre tela, 110 x 80 cm Colección Banco de la República |
En la década de los sesenta, Armando Morales Sequeiras (1927) trabajó con colores suaves, casi monocromos, como en Pintura (1966), donde los tonos rosas, azules y grises con textura matérica ofrecen una pintura de gran lirismo. Este óleo pertenece a una época abstracta del artista.
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| |Pintura. (1966) | Armando Morales Sequeira, Nicaragua, 1927 Óleo sobre tela, 128 x 102 cm Colección Banco de la República |
En Bolivia, María Luisa Pacheco (1919-1982) acoge un sentimiento prehispánico en su pintura. Mallasa (1980)aparece como una síntesis de la formas del paisaje de los Andes. Óscar Pantoja (1925), también boliviano, formó parte del grupo expresionista al que perteneció Pacheco. Está incluido en la colección con Extremo vértice, 1962.
Después de trabajar con los informalistas españoles, Enrique Tábarra (1930), quien siempre se opuso a la pintura de Guayasamín, regresó al Ecuador. Desarrolló una pintura con texturas pesadas y elaboradas a las que incorporó elementos de la cultura prehispánica. Las figuras y símbolos estaban sugeridas o mimetizadas en los empastes. La colección posee dos obras suyas sobre papel: Sin título (s.f.), en técnica mixta, y Sin título (s.f.), en acuarela, las cuales fueron donadas por el prestigioso crítico Casimiro Eiger.
Oswaldo Viteri (1931) pertenece a la generación y grupo de Tabarra, que presentó una época de resplandor para la pintura ecuatoriana. En la colección figura con Hombre cósmico (1961), que contiene elementos iconográficos alusivos a alguna de las obras de Tamayo.
El peruano Fernando de Szyszlo nació en 1925 en Lima, donde realizó sus primeros estudios de arte, los cuales continuó en Francia e Italia. En 1958 participó en el Primer Salón de Arte Abstracto en Perú, en el cual tomaron parte 27 artistas. Desde entonces ha sido reconocido como una de las primeras figuras de la plástica en el continente. Ha sobresalido por la fuerza de su color, inspirado en los tonos de los tejidos prehispánicos, así como en huellas provenientes de la cultura inca. Su pintura se encuentra ampliamente representada en la colección del Banco de la República con las pinturas Yana sungo (s.f.), Qapa-Markapi (II) (en Cajamarca) (1964), e Imago (1972).
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| |Yana Sungo. (s.f.) | Fernando de Szyszlo, Perú, 1925 Acrílico sobre tela, 60 x 54 cm Colección Banco de la República |
En la década de los cincuenta se consolidó el arte abstracto en el Uruguay, aunque se tenían antecedentes significativos en la obra Torres-García. Una gran acogida se brindó al informalismo, especialmente al arte matérico relacionado con el español Antoni Tàpies y el italiano Alberto Burri. A este grupo pertenece Jorge Páez Vilaro (1922-1995), de cuya autoría es la pintura El carretillero (1958).
De Panamá, Alfredo Sinclair (1915), el primero en explorar el expresionismo abstracto en su país, está presente con Figura reclinada, versión 2. Su abstracción lírica se caracteriza por la conformación de espacios con colores vibrantes.
ARTE CONCRETO
Arte Concreto o Concretismo
Arte Concreto o Concretismo:
Arte concreto 
El arte concreto este término se aplica al arte abstracto, que pretende ser autónomo y que rechaza toda figuración y asociaciones simbolistas. Comenzó a conocerse a través de la aparición de un manifiesto publicado por Theo Doesburg. En dicho escrito decía que "La obra de arte no debía recibir nada procedente de las propiedades formales de la naturaleza o de la sensualidad o sentimentalismo, puesto que un elemento pictórico no tiene más significado que él mismo, y, por lo tanto, el cuadro no tiene otro significado diferente". En consecuencia, los artistas abogan por una técnica mecánica o exacta, antiimpresionista.
En resumidas cuentas, en palabras de unos de los artistas destacados de este apartado, Mx Bill, "la pintura concreta elimina toda presentación naturalista, aprovecha los elementos fundamentales de la pintura, el color y la forma de la superficie". Es decir, su esencia es la libertad de cualquier modelo natural: la pura creación.
Este movimiento surge en Francia en 1930 de la mano del pintor holandés Theo van Doesburg quién creó el término de "arte concreto" para sustituir al de arte abstracto (por lo que también es conocido como arte constructivo-abstracto o contretismo). El término fue utilizado por primera vez por Van Doesburg en el "Manifiesto del arte concreto" publicado en el primer y único número de la revista "Art Concret" editada en París, en repuesta a la formación de la asociación “Cercle et Carré”, firmaron el documento Hélion, Carlsund, Tutundjian y Wantz. Su eslogan fue “materiales reales, espacio real”. El citado manifiesto argumentaba seis puntos mediante los cuales sentaba las bases teóricas del "arte concreto".
Los planteamientos teóricos y estéticos de esta tendencia fueron puestos en práctica principalmente por el grupo Abstraction-Creation.
Van Doesburg fallece en 1931 y sus ideas son retomadas a finales de los años 30 por dos artistas suizos, Max Bill y Jean Arp, quienes publican varias obras y realizan importantes exposiciones de pintura, escultura y artes aplicadas.
Entre los seguidores de este movimiento podemos citar, entre otros, a Theo van Doesburg (1883-1931), Max Bill (1908-1994), Naum Gabo (1890-1977), Auguste Herbin (1882-1960).
Los artistas interesados en la estética abstracta se agrupan sucesivamente en tres movimientos: Cercle et Carré (1929), Art Concret (1930) y Abstraction-Création (1931-1936) unidos por un doble motivo: exhibirse como una fuerza internacional, buscando así la resistencia para enfrentarse a un público ostentosamente hostil, y plantear un debate estético al Surrealismo, movimiento con el que discrepan frontalmente. Dos exposiciones realizadas en estos años serán decisivas para la formación de estos movimientos: la exposición L’ESAC (Expositors Selectes d’Art Contemporain) en el Stedelijk Museum de Amsterdan, organizada por Nelly Van Doesburg en 1929 y la exposición de arte post-cubista celebrada un año más tarde en Estocolmo, bajo la dirección de Carlsund.
Características generales del Art Concret:
- Rechazo de toda relación con lo natural, lo objetivo y lo simbólico.
- Utiliza la representación de ideas abstractas en una nueva realidad de carácter universal y constante.
- La expresión plástica se basa, principalmente, en la línea y la superfície, relegando al color a un segundo plano.
- Empleo de elementos geométricos sencillos (círculos, cuadrados, triángulos) y creación de tensiones.
- La forma tiene más importancia que el color.
- Composiciones geométricas formando estructuras que recuerdan construcciones o arquitecturas.
- Emplea colores planos creando efectos cromáticos de espacio y vibración plástica.
OBRAS
PINTURA DE LOS AÑOS 40, EN ESTADOS UNIDOS , NORTEAMERICA Y EUROPA
París, 1945, “Art Concret”.El concreto de posguerra pretendía ser arte universal, simple y controlable visualmente, de técnica exacta, anti-impresionista, antisensitivo, de claridad absoluta con elementos plásticos puros.
Recivió un apoyo decidido por parte de galerías y destacan artistas como: Vasarely, Jean Dewasne y Richard Mortensen, tuvo su mayor representante en Max Bill.
Antecesores: EEUU. Abstracción y Biomorfismo
La ocupación nazi en París confirmó como nueva capital artística a N.Y. Entre los años 1939 a 1941, los artistas europeos exiliados tuvieron una influencia decisiva en este proceso. Dalí, Ernst, Chagal, Léger, lipchitz, Masson y Matta, llegaron a N.Y. ; realizaron una exposición denominada “Artistas en el exilio” confirmándose el protagonismo de la corriente surrealista de influencia trascendental en el expresionismo abstracto. “En Ernst, Matta y Masson, los jóvenes pintores norteamoericanos descubrieron el gesto pictórico fruto del automatismo psíquico puro. También el poscubismo de Léger, el neoplasticismo de Mondrian y el expresionismo de origen germánico de Hans Hofmann fueron ingredientes importantes para la gestación del nuevo arte.
Recivió un apoyo decidido por parte de galerías y destacan artistas como: Vasarely, Jean Dewasne y Richard Mortensen, tuvo su mayor representante en Max Bill.
Antecesores: EEUU. Abstracción y Biomorfismo
La ocupación nazi en París confirmó como nueva capital artística a N.Y. Entre los años 1939 a 1941, los artistas europeos exiliados tuvieron una influencia decisiva en este proceso. Dalí, Ernst, Chagal, Léger, lipchitz, Masson y Matta, llegaron a N.Y. ; realizaron una exposición denominada “Artistas en el exilio” confirmándose el protagonismo de la corriente surrealista de influencia trascendental en el expresionismo abstracto. “En Ernst, Matta y Masson, los jóvenes pintores norteamoericanos descubrieron el gesto pictórico fruto del automatismo psíquico puro. También el poscubismo de Léger, el neoplasticismo de Mondrian y el expresionismo de origen germánico de Hans Hofmann fueron ingredientes importantes para la gestación del nuevo arte.
ESCULTURA DEL SIGLO XX
La escultura de la segunda mitad del siglo XX
Después del final de la Segunda Guerra Mundial,muchas de las grandes personalidades de la escultura de vanguardia del primer tercio de siglo continuaron su producción sin grandes cambios evolutivos.
Junto a los ya citados Duchamp, Miró o Giacometti, desarrollaron sus singulares estilos una serie de escultores que aportaron visiones e interpretaciones muy personales y que, en buena medida, influirían en los movimientos plásticos de fin de siglo. Cabe destacar entre ellos a los siguientes:
- David Smith (1906-1965) realizó obras de un estilo rígidamente abstracto, precursor del minimal art.
- Alexander Calder (1898-1976), norteamericano, como el anterior, fue el creador de los singulares móviles, conjuntos de piezas de hierro, pintadas y articuladas, que constituyeron el primer antecedente de la escultura cinética.
- Jorge Oteiza (1908) y Eduardo Chillida desplegaron una plástica esquemática en sus planteamientos, pero incorporando elementos naturalistas.
- Henry Moore, por último, desarrolló sobre premisas muy personales una obra encuadrada dentro del organicismo, en la que adquiría especial importancia la figura humana deformada a través de huecos, líneas curvas y grandes volúmenes.
Alexander Calder, móvil, escultura cinética al aire libre, (París).
| Federico Canessi Nace en la Ciudad de México en 1906. Realizó estudios de escultura en la Antigua Academia de San Carlos y más tarde en Estados Unidos, becado por el gobierno mexicano. En 1958 obtiene el Gran Premio Internacional de Escultura. Realizó a lo largo de su carrera esculturas en madera, piedra, terracota y bronce, escultura monumental y murales en relieve, como el tallado directamente sobre la piedra de la cúspide de una montaña en Malpaso, Chiapas. Ingresó a la Academia de Artes en 1968 como miembro fundador. Muere en 1977.
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| Pedro Cervantes Nace en la ciudad de México en 1933. A partir de 1960 comienza sus trabajos en metal soldado. Además de trabajar con materiales producidos en serie como la placa y la vigueta de acero ha realizado relieves murales, esculturas monumentales y de pequeño formato así como esculturas que el espectador puede transformar al mover las partes que las conforman. La mujer y el caballo han sido sus temáticas predilectas. Ingresó a la Academia de Artes en 2003.
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| Germán Cueto Nace en la Ciudad de México en 1883. En 1919, tras un rápido paso por la Academia de San Carlos, resuelve estudiar por su cuenta. Después de una estancia de 5 años en Europa se dedica a la escultura abstracta convirtiéndose tal vez en el escultor más renovador en el ambiente mexicano antes de 1950. Ingresó a la Academia de Artes en 1968 como miembro fundador. Muere en 1975.
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| Manuel Felguérez Nace en 1928 en Valparaíso, Zacatecas. Realizó sus estudios profesionales en París y en la Ciudad de México. Practica la pintura abstracta de corte lírico. Ha realizado un gran número de murales y escultura urbana en México y en el extranjero, así como relieves y escultura con las formas geométricas características de su tendencia artística. Desde los años setenta inició sus búsquedas para la incorporación de la cibernética al diseño artístico. Ingresó a la Academia de Artes en 1974.
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| Fernando González Gortázar Nace en la Ciudad de México en 1942. Estudia arquitectura en Guadalajara y empieza a profundizar en las relaciones entre la forma de los objetos y el movimiento del espectador, lo que junto con la liga al paisaje y el logro de una auténtica monumentalidad, serán preocupaciones fundamentales en su trabajo posterior. Su desarrollo profesional es diversificado: arquitecto, escultor, maestro, escritor, diseñador, escenógrafo y promotor cultural. Ingresa a la Academia de Artes en el año 2000.
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| Mathías Goeritz Nació en el año de 1915 en Polonia. Se doctoró en Filosofía e Historia del Arte en la Academia de Artes de Berlín. En 1949 se traslada a México como maestro de la cátedra de Artes Visuales en la Escuela de Arquitectura de Guadalajara, Jalisco. En los años cincuenta lanza su manifiesto "Arquitectura emocional". Fue el iniciador de los primeros talleres de diseño industrial en México. Con su escultura "Serpiente" se convierte en el precursor del minimalismo. Cuenta con innumerables obras de diseño, dibujo y escultura. Muere en 1990.
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| Ángela Gurría Es oriunda de la Ciudad de México. Se dedicó a la escultura primero en forma autodidacta y después fue alumna de los maestros Germán Cueto y Abraham González. En su trayectoria ha pasado de una tendencia realista simbólica a casi un abstraccionismo. Su largo catálogo incluye escultura urbana y monumental, y vitrales escultóricos. Fue el primer miembro femenino de la Academia de Artes (1973)
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| Luis Ortiz Monasterio Nació en la Ciudad de México en 1906. Realizó una gran labor docente en el IPN, en las escuelas de arte de la SEP. y en la Escuela Nacional de Maestros. Renovador de técnicas y maestro de varias generaciones, fue uno de los innovadores del movimiento escultórico de la primera mitad del siglo XX. La mayoría de sus esculturas fueron realizadas en bronce con grupos o entrecruzamientos de cuerpos geometrizados y arquitectónicos. Ingresó a la Academia de Artes como miembro fundador en 1968. Muere en 1990.
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| Sebastián (Enrique Carbajal G.) Nace en Ciudad Camargo, Chihuahua, en 1947. Cuenta con una numerosa producción de escultura monumental y urbana de complicada elaboración geométrica, expuesta en nuestro país y en el extranjero. Es un entusiasta promotor cultural que complementa su labor artística con la producción de obra gráfica y el diseño de joyas, muebles, objetos, juguetes y monedas. Ingresó a la Academia de Artes en 1985.
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| Federico Silva Nace en la Ciudad de México en 1923. De formación artística autodidacta, su influencia temprana la obtuvo al laborar con Siqueiros en la realización del mural del Palacio de Bellas Artes. Se inició en la corriente figurativa y posteriormente incursiona en el arte abstracto y cinético. En 1977 diseñó el proyecto del Espacio Escultórico de la UNAM y fungió como coordinador del grupo de artistas participantes. En su vasta producción se encuentra la pintura mural, relieves, escultura pública y monumental.
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| Francisco Zúñiga Nació en el año 1912 en Costa Rica. A los 24 años llegó a México donde asistió a la Escuela La Esmeralda. Se inclina por la escultura, rama en la que ha sobresalido de manera importante. Bajo su dirección se formaron varias generaciones de escultores, encabezando el movimiento de renovación escultórica. Su obra guarda características figurativas, usando volúmenes rotundos y formas pesadas y retomando temas arquetípicos de los indígenas del sur de México. Ingresó a la Academia de Artes en 1987.
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ARTE POP
Introducción al movimiento artístico del Arte Pop
El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.
El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.
El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.
Lichtenstein decía:
Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo.
El Ate Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria moderna a obras de arte y, con la frialdad del distanciamiento, pone su mirada en la atracción estética de los vulgares artículos de consumo.
Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje.
Representantes del Arte Pop
Richard Hamilton
Es uno de los pioneros del Pop Art británico y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, ha sido considerado la primera obra del Arte Pop.
Es un collage fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, al erotismo, a la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de contenido y que tan sólo elogia lo superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como el televisor, el magnetófono o el póster de una viñeta de cómic.
Roy Lichtenstein
Lo más característico de Lichtenstein son sus composiciones salidas directamente de las viñetas de los comics, que son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.
Por ejemplo, Good Morning, Darling; Now, mes petit pour la France o Whamm!, donde la técnica del cómic aparece mucho más remarcada con la inclusión de la característica onomatopeya.
Tom Wesselmann
Tom Wesselmann se interesa por el tema de la sensualidad y la mujer como reclamo publicitario y como objeto de consumo.
Elige las partes más sensuales del cuerpo femenino, las piernas, los labios, etc. y las mezcla con objetos cotidianos. Trabajó sobre todo los montajes y las instalaciones, donde incorpora objetos reales y recrea espacios habituales de la burguesía americana.
En las obras de la serie Gran desnudo americano, incorpora teléfonos reales que suenan, aparatos de radio y televisores en marcha, pegándolos directamente sobre la superficie pintada, siguiendo el método tradicional del collage.
En Bañera Collage núm. 1 ilustra una atmósfera de frío erotismo reivindicando su valor como objeto de consumo más que como icono de deseo. Resalta la toalla de en medio, el rollo de papel higiénico y la tapa del retrete levantada.
Andy Warhol
Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma superficie arrancándolas de su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. Describió así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.
Lata de sopa Campbell convierte un objeto de uso cotidiano, una sopa de tomate, en icono de la cultura pop.
Realizó numerosos retratos como los de Mick Jagger, Jacqueline Kennedy Onassis, Elizabeth Taylor o Marilyn Monroe, de la que hizo una serigrafía basada en un original fotográfico de su rostro.
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